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Curso de pintura de caballete - 2ª parte

DESCRIPCION DEL CURSO:



CLAVES TONALES
.

Hemos hablado ya de las dos formas en que el ojo humano percibe el mundo:
1) como variación de color, y
2) como variación de valor (gradación de grises desde el blanco -1- al negro -10).
Ya hemos hablado antes del color, ahora hablaremos del valor,  también desde su aplicación a la pintura. La gradación de grises se podría observar interponiendo entre nosotros y el objeto, una pelicula de radiografia o un lente de sol. De ese modo casi desaparecerían los colores y veríamos el objeto de manera monocroma.
El conjunto de valores de grises que componen una ilustración (cuadro, fotografía, etc.), si bien es muy variado, se puede sintetizar en 2 grandes grupos con la siguiente clasificación:

1) El valor promedio general (definido como el valor de fondo), se clasifica en:
Alta (en claros, equivale al 3 ó 4); 
Intermedia (promedio de medios, equivale al 5 ó 6)
Baja (promedio de oscuros, equivale al 7 u 8).  
2) los extremos más altos y más bajos (es decir, los más luminosos y los más oscuros), en general aplicados a la llamada “figura”. Se dividen en:
Mayor (cuando estos valores llegan a 1 y 10, es decir que además de los grises hay blancos y negros)
Menor (cuando los valores varian entre 3 y 8, desde un gris no muy claro a un gris levemente oscuro)

Si combinamos ambos grupos se llega a 6 claves tonales que expresan emocionalmente a toda ilustración.
Alta Mayor: aplicada en general a las imágenes al aire libre, solares, alegres, cargadas de vitalidad, etc. Fue muy usada por los primeros impresionistas en sus escenas a “plen air” 
 Alta menor: aplicada a paisajes nublados, interiores luminosos, etc. y en las que se refleja estados de ánimo serenos, reflexivos, pacificos, etc.
Intermedia mayor: aplicada a interiores, con fuerte presencia de las imágenes principales. Usada para describir racionalmente personajes (tanto en el retrato con en la figura), situaciones y objetos en interiores no muy iluminados.
Intermedia menor: simil a la anterior, en tonos generales más apagados, destaca en obras de mensajes melancólicos, tristes. o en expresiones íntimistas, confidentes o secretas.
Baja Mayor: ambiente oscuro, cargado de dramatismo, violencia, tensión, escenas dolorosas, “de vida o muerte”, guerra, etc. y también de la rebeldía que ellas producen en el pintor. Usada en escuelas expresionistas en general 
 Baja Menor: de tonos dolorosos, patéticos, trágicos, etc. En general se utiliza para relatar escenas mitológicas de guerra,  de muerte, etc. Muy usada por los pintores flamencos y en particular por Rembrandt

LINEA VERSUS VOLUMEN
.

En la percepción de la realidad cotidiana casi no existen las líneas, excepto como separaciones de planos, como los casos en que existen diedros o triedros (las cajas y otros volúmenes creados por el hombre, las aristas entre paredes y pisos o techos, etc.). Pero en la naturaleza (flores, frutos, paisajes o figuras) no existe una línea por sí misma. En el arte del dibujo la línea es una convención usada para sugerir los cambios de colores, de valores luminosos o de cercanías y lejanías. En cambio en la pintura trabajamos con un elemento fluido (tempera, acrílico, óleo, etc.) para representar el fluir de la luz y la sombra sobre los objetos a pintar, por lo tanto la pintura realista del estilo naturalista es de algún modo “enemiga” del dibujo, salvo en los casos de gouaches, acuarelas o grabados.

Basarse en la línea para completar la pintura deriva en una sucesión de espacios llenos de color. Si la realidad se ve como un conjunto de intersecciones y bordes, el resultado será una pintura plana. El otro acercamiento posible a la pintura consiste en ver el modelo como una serie de volúmenes, más o menos cercanos, más o menos iluminados o de diferentes colores. Entonces, en lugar de expresar las líneas que los separan se podrán expresar sus texturas, pliegues, manchas, luminosidades y brillos. En este último caso la línea resultará de los grados de contraste o pasaje que esos volúmenes tengan. Comenzar la pintura desde el conjunto de manchas del fondo (como hemos explicado en clases anteriores) ayuda a dar forma paulatinamente a los volúmenes.

Algo tan obvio como la solidez de los objetos en la naturaleza, es a veces dificil de expresar sobre la tela. La diferencia entre una pintura tomada de la realidad y otra tomada de una fotografia es que esta última suele carecer de gravedad, y aquí vemos una de las condiciones habituales de la pintura del siglo XX. El peso de los objetos parece desaparecer, puesto que intentamos hacer que la pintura se parezca a la foto de la que tomamos el modelo. La cámara ha realizado ya la transformación de 3 dimensiones a 2, nos ha quitado esa experiencia. Pero el resultado de una fotografía no es  real: por un lado el fotógrafo ya hizo un “recorte” de la realidad para componer un modelo, y están las limitaciones propias de la cámara y la luz de la toma. Ocurre que la distancia focal del lente nos establece la profundidad (y los planos desenfocados), la sensibilidad de la película nos limita el claroscuro y la calidad general de la óptica nos regula el nivel de detalle. Esa realidad estará entonces limitada a las posibilidades de la cámara y el fotografo.

Si bien es muy dificil armar para cada caso el modelo (a menudo no tenemos el espacio necesario para eso, y el tiempo de realización de la pintura no permitiría dejarlo armado), tenemos que tener en cuenta que toda ilustración solo nos puede servir como elemento de acercamiento al hecho pictórico, no como modelo en sí mismo. Para que los objetos se sientan “pesados” es preciso enfatizar la estructura subyacente en lugar de los detalles de la superficie. El peso que “sentimos” tiene un objeto no es solo el resultado de sus pliegues o protuberancias, sino esencialmente de una serie de indicios internos que dan unidad coherente al todo y le otorgan ese atributo de gravedad. La tarea del pintor es la de mostrar la interacción entre lo interno y lo externo para poner de manifiesto en la superficie toda la sólida estructura subyacente.

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